Moguer, la luz con el tiempo dentro

Bueno por fin y digo por fin de la manera más contenta y feliz posible se ha acabado ya este blog. Espero que el resultado del blog sea lo bastante satisfactorio que yo espero, ya que esfuerzo y empeño no me ha faltao a la hora de realizarlo.

Bueno como conclusión final, decir que ha sido un proyecto bastante interesante el realizado al invitarnos a construir nuestro propio blog basado en la autoredacción y la investigación de cada uno. Creo que se sacan bastantes notas positivas, a excepción del tiempo empleado para hacerlo (a veces resultó un poco pesado) pero bueno creo que mi balance sobre el blog es bastante bueno y que quizás sea uno de los proyectos que yo emplee cuando me titule y esté en la docencia.

TEMA 8: LA EVALUACIÓN EN EDUCACIÓN ARTÍSTICA

1. ¿Para qué hay que evaluar?:

• Informar al alumno sobre su progreso
• Orientarle
• Ayudarle a autoevaluarse
• Para emitir una calificación

1. ¿Cuándo hay que evaluar?:

• 3 fases: 1) Inicial

    2) Formativa

    3) Sumativa

1. Nuevas concepciones sobre evaluación:

v     Aprender ≠ repetir / Examen ≠ memoria imitativa

v     Cuatro conceptos de Fdo. Hernández:

1. Transferir conocimientos a situaciones nuevas
2. Plantearse problemas y encontrar estrategias para resolverlos
3. Procesos de aprendizaje humanos
4. Buscar de forma selectiva, interpretar información para darle sentido y transformarla en conocimiento

1. ¿Qué evaluamos?:

4.a) Lo que no hay que hacer al evaluar:

• La misión de la evaluación es ayudar al alumno a mejorar, no a hundirlo
• No hacer juicios generales

4.b) Es necesario fundamentar nuestros criterios de evaluación:

•  Saber el modelo en que estamos basándonos para evaluar
• Establecer el criterio de evaluación
• Criterios de evaluación
• Los objetivos y criterios evaluativos à consonancia con el nivel educativo

1. El tema del “gusto” y la calidad estética al evaluar

a)      Nuestro gusto no puede ser el criterio de evaluación

b)      Debemos evaluar en función de unos objetivos, criterios y razones

1. ¿Qué evaluamos?

1. Datos/ hechos
2. Conceptos
3. Procedimientos
4. Actitudes
5. Procesos

1. Domas maneras de evaluar fundamentales

1. Evaluar instrumentos puntuales
2. Procesos

1. Procedimientos de evaluación reproductivos

ü      Concepto

ü      Pruebas de tipo reproductivo

1. Otros modos de evaluar

TEMA 8: LA EVALUACIÓN EN EDUCACIÓN ARTÍSTICA

Bueno aquí comienza mi redacción sobre este último tema de nuestro blog. Un tema que desde mi punto de vista trata uno, sino el tema más importante de la primaria: la evaluación. A partir de mi esquema intentaré redactar de la mejor manera posible el tema. Al tratarse de un tema bastante amplio me gustaría remitir a aquel que quisiera saber algo con mayor exactitud a la presentación del profesor, aunque repito creo que con mi explicación quedará todo bastante aclarado.

Bueno, a partir de ahora, procuraré centrarme en el tema, que comienza con la pregunta, y creo que no podría ser otra que el para qué evaluar, es decir, para qué es necesario seguir un proceso de evolución del alumno hasta llegar a emitir una calificación. Las respuestas, creo, que son claras. Primero porque la evaluación es un medio que nos permite  a nosotros los maestros indicar o informar al alumno sobre su evolución durante el curso. La segunda y derivada de esta anterior sería como un medio de orientación al alumno, esto es, si tratamos de informarle sobre su evolución a lo largo del curso no es por otra cosa que para tratar de dirigir u orientar al alumno por el que nosotros pensamos que es el camino correcto. La tercera es para que el alumno aprenda a autoevaluarse, es decir, que el alumno sea capaz de ir exigiéndose a sí mismo un buen trabajo para luego tener una evaluación lo mejor posible. Por último, y como cuarta respuesta, supongo que es la que todos estaríais esperando y que no es otra que para emitir una calificación, es decir, para poner nota al trabajo que el alumno ha ido realizando a lo largo de todo un curso.

Prosiguiendo con el tema de la evaluación, ahora surgiría una segunda pregunta, también bastante curiosa, que no es otra que cuándo hay que evaluar. Para ello contamos con tres fases, una inicial, otra formativa y otra final; las cuales comenzaré a redactar a continuación:

            1) la Fase Inicial nos permite conocer con qué tipo de alumnos estamos tratando, es decir, el nivel de clase. Se correspondería con aquellos sondeos que hacen todos los maestros a principio de curso y que se conocen como prueba inicial; una prueba que no cuenta como calificación pero que ayuda al docente a saber por dónde anda su clase.

            2) la Fase Formativa, que es aquella que se da a lo largo de todo el  curso. En esta fase el profesor lo que trata es de ir ayudando al alumno a superar las diversas dificultades que se vaya encontrando a su paso.

            3) la Fase Sumativa, es decir, cuando emitimos la calificación. Es el momento en que ponemos notas a los alumnos para saber si han llegado a donde nosotros queríamos; aunque también sirven para orientarnos a nosotros mismos y poder darnos cuenta donde hemos fallado.

Continuando con este tema me gustaría reseñar las nuevas concepciones surgidas de un tiempo a esta parte sobre la evaluación. Concepciones que no quieren ver el aprendizaje como un aprendizaje repetitivo y a los exámenes como un medio donde el alumno refleje toda la memoria imitativa que tiene. Para ello, Fernando Hernández propuso no hace mucho cuatro conceptos básicos sobre lo que debería de ser la evaluación:

1. El primero de ellos no es otro que el tratar de trasladar los conocimientos que en clase se exponen a situaciones nuevas, es decir, que lo que aprendas en clase seas capaz de trasladarlo a situaciones de la vida diaria; o simplemente el poder utilizar el contexto histórico de historia del s. XIX a la filosofía cuando te pregunten por Marx por ejemplo.
2. El segundo sería el plantearse los problemas y encontrar estrategias para resolverlos. Lo que se le pide al alumno en este segundo paso es que entre a formar parte activa de su proceso de aprendizaje, que investigue y logre resolver los problemas que se le planteen.
3. El tercero que consiste en los procesos de aprendizaje humano, es decir, el adquirir procesos correctos que nos ayuden a realizar las cosas de la mejor manera posible.
4. El cuarto y último, es la culminación de estos cuatro procesos, que no es otro que aprender a investigar de forma selectiva; es decir, el saber buscar la información que a cada momento necesites para luego poder transformarla en conocimiento.

Si seguimos avanzando en el tema llegaríamos al cuarto apartado en el que se nos hace la pregunta de ¿qué evaluamos? Para empezar habría que empezar por preguntarse qué es lo que no tenemos que hacer al evaluar. Pues bien, lo que un buen docente no debe hacer nunca al evaluar es no hacer nunca un juicio general a partir de experiencias concretas con el o los alumnos. Y por supuesto, tener siempre muy claro que nuestra misión como docentes no es el acribillar al niño donde falle sino el ayudarle a superar su obstáculo para que así mejore.

Una vez sabido lo que no debe hacer un buen docente a la hora de evaluar, debemos saber lo que se deber hacer a la hora de emitir una buena evaluación. Lo primero es tener claro antes de empezar qué modelo educativo es el que vamos a tomar como referente a la hora de impartir las clases y una vez tomado el ser consecuentes con dicho modelo a la hora de evaluar. También habría que tener claro el hecho de que los contenidos que nosotros pidamos se deben adaptar al nivel mental y a la edad de los niños.

Continuando con el desarrollo del tema entraríamos en uno de los puntos, a mí entender, más polémicos a la hora de evaluar. Y este no es otro que nuestro propio gusto, un gusto que nos hace ver las cosas que a nosotros nos gustan como mejores frente a otras que desde nuestro punto de vista carecen de interés. Por ello, a la hora de realizar una evaluación tenemos que separarnos conscinetemete de nuestros gustos y proceder de la manera más objetiva posible. Evaluando como he dicho antes en función de los objetivos y requisitos establecidos en un primer momento.

Bueno ahora, entraríamos en una de las partes más importantes del tema, cuando evaluamos exactamente qué evaluamos. Pues bien, evaluamos datos y hechos, conceptos, procedimientos, actitudes y procesos.

Cuando nos referimos a que evaluamos datos o hechos nos estamos refiriendo a aquellos conocimientos imprescindibles saber en cualquier materia. Aunque estos datos sean imprescindibles si no los agrupamos en conceptos no nos servirán de nada, por ello esta información debemos relacionarla siempre. Acto seguido, otra cosa a evaluar serían los procedimientos, es decir, el como un alumno va adquiriendo los conceptos y los va llevando a la práctica. Por último, valoraríamos las actitudes y los procesos hacia la asignatura o el tema que estemos tratando.

A la hora de evaluar, tenemos  dos opciones fundamentales:

           a) Evaluar con instrumentos puntuales: es decir, la evaluación tradicional. Aquella basada en exámenes, fichas…

           b) Procesos: por ejemplo, lo que nosotros estamos haciendo, un blog. Un blog donde a partir de la base expuesta en clase por el profesor cada uno de nosotros da su propia visión de los temas y si quiere los aumenta.

APLICACIÓN DIDÁCTICA

En esta aplicación didáctica nos centramos en el proceso de evaluación de uno de los ciclos de la primaria. Yo me centraré en el último ciclo, tal vez porque lo tenga más reciente y me acuerde mejor de cómo nos evaluaban allá por los cursos 2000/2001 y 2001/2002. Por aquellos tiempo nos tocó una maestra de la cual no me puedo quejar, tal vez fuese de la antigua escuela de profesores, pero ya de los últimos de su generación; más bien creo que agolpaba el tipo de maestro antiguo con el moderno (que no es el contemporáneo, es decir, el de hoy). Para empezar era una maestra como digo bastante buena, siempre estaba atenta a cada uno de nosotros a nuestros progresos tanto individuales como grupales. Cierto es, que la mayoría de sus evaluaciones estaban basadas en exámenes, pero como ella decía era para prepararnos para el instituto. Creo que nos preparó bien, salimos del colegio sabiendo estudiar y haciéndonos responsables de nuestro propio estudio. Era una evaluación como he dicho antes basada en exámenes pero que no por eso no contaban las actividades y demás tareas que desempeñábamos tanto grupal como individualmente. Era una maestra que nos incentivaba a buscar información por todos los lugares y a crear nuestras propias visiones a través de debates, que creo recordar, eran bastante interesantes. En fin, creo que la evaluación llevada a cabo por esta maestra fue bastante buena y de la que a día de hoy sigo sin tener ningún tipo de queja.

TEMA 7: MODELOS DE EDUCACIÓN ARTÍSTICA

• La Educación Artística no es:
  • Aprender a dibujar
  • Hacer trabajos manuales
  • Asignatura de adorno, ni asignatura maría
  • Asignatura manual VS asignaturas teóricas

1. Educar a través de las artes y lo visual:
   • 4 racionalidades sobre la Educación Artística ( orden cronológico):

a)      EA basada en el proceso, vinculada al sistema productivo

b)      EA para la creatividad y la autoexpresión

c)      EA para el desarrollo de la percepción y la alfabetización

d)      EA para la compresión crítica

TEMA 7: MODELOS DE EDUCACIÓN ARTÍSTICA

Después de haber realizado el esquema previo al desarrollo del tema, me dispongo como bien digo a desarrollar lo que sería el penúltimo tema de los tres que conforman el segundo bloque de este blog.

Antes de abordar el tema me gustaría reseñar lo que para nosotros no es la educación artística, y que para muchos otros si lo es, y que pienso que lo es gracias al esfuerzo de muchos por hacer de esta asignatura una de las martirios de la primaria o de convertirlas en inservibles para el futuro. Bueno, para nosotros la educación artística no es ni mucho menos el aprender a dibujar, para eso no hace falta que nos enseñen el niño queda demostrado que desde muy temprano siente curiosidad por dibujar sin ayuda de nadie. Tampoco es el hacer trabajos manuales exclusivamente, ya que para eso existen talleres de manualidades. Tampoco es una asignatura de adorno, ni maría sino una asignatura como otra más y que por lo tanto exige su debido respeto y su adecuada manera de transmitirla. Y por último no es una asignatura práctica o manual frente a las teóricas.

A partir de aquí comenzaré el desarrollo del tema, basado en las cuatro racionalidades que distinguimos para enseñar la educación artística y que han ido apareciendo con el paso del tiempo. Por ello las iré explicando en orden cronológico:

a)      Educación artística basada en el proceso, vinculada al sistema productivo (aprender a dibujar): es la concepción del estudio de las artes más antigua (s. XVIII). Lo que persigue este modelo no es otra cosa que los alumnos aprendan y obtengan destrezas en el dibujo técnico y artístico. Se suele basar en la copia de modelos de la realidad.

De esta concepción podemos aprender por ejemplo el adquirir hábitos de orden y autodisciplina, el aprender a usar materiales de dibujo técnico…

Lo que si que tenemos que tener en cuenta que hoy por hoy el dibujo técnico no es importante por si solo, ya que como sabemos no a todo el mundo se le da bien esto pero sin embargo existen materiales informáticos que nos facilitan la tarea y que hacen que cualquier persona pueda ser un fenómeno del dibujo técnico sin haber utilizado nunca antes los materiales típicos de toda la vida.

b)      Educación artística para la creatividad y la autoexpresión: este es un modelo basado en la libertad para el niño, es decir, el profesor deja a los niños que pinten y creen libremente siendo éste un mero observador que a veces hará de guía en el proyecto del alumno. Este modelo surge a principios del XX como consecuencia del movimiento creador de la época, en el que no se perseguía la copia de la realidad sino que cada uno crease lo que quisiera. De hecho es un modelo basado en las vanguardias y en mitos como el de Van Gogh en el que se suponía que el pintor era un autodidacta. Basado también en el descubrimiento del arte infantil, un arte espontáneo.

Pero lo cierto es que Van Gogh nunca fue un autodidacta y tampoco es cierto que el arte infantil sea espontáneo ya que muchas veces está basado en estereotipos y en vivencias.

Es un modelo basado en contradicciones. Por ejemplo si queremos que los niños se expresen con libertad para qué queremos un docente. El hecho también de que el artista nace y no se hace es mentira, como sabemos nadie ha nacido con el don de ser artista sino que se ha hecho a sí mismo a base de más o menos esfuerzo en función de las condiciones de cada uno.

Algo provechoso de este modelo es por ejemplo, el hecho de facilitar a los niños las expresiones de sus vivencias a través del dibujo. El hecho de que a través del dibujo cuenten algo, narren.

El error más grave de este modelo es el hecho de pensar que el niño pinta solo de manera espontánea.

c)      Educación artística para el desarrollo de la percepción y la alfabetización: es el modelo de la reforma acaecida en la LOGSE y que sigue muy presente en la actual ley la LOE. Basada en dotar a las artes de cientificidad, hacerla disciplinar. Afirma que hay un lenguaje visual y que los niños deben aprender a leer. Se aprovechó de diversas traducciones de libros de artes muy importantes, pero a veces escritos décadas antes por lo que lo que se proponía en esos libros ya quedaba un poco antiguo.

Dentro de este modelo nos encontramos con problemas bastantes gordos como son que hay autores que niegan que las artes tengan un lenguaje concreto, hace lecturas muy automáticas de las imágenes, y sobre todo, y lo que más influye en el alumnado las actividades programadas, aburridas a más no poder y que terminar por cansarte creándote una fobia hacia la asignatura.

Pero también este modelo aporta algunas cosas importantes como son el hecho de conocer los elementos del lenguaje visual nos ayuda a la hora de saber cómo está compuesta una imagen.

d)      Educación artística para la comprensión crítica: surge a finales del siglo XX. Se plantea un tipo de educación artística más abierta y plural, en las que las imágenes no se leen sino que se interpretan críticamente. Promueve la investigación en el alumnado, pero siempre a partir de documentación seria y rigurosa. El alumnado no es consumidor de imágenes, sino que las imágenes construyen la realidad, la interpretan y la simbolizan. Lo interesante de este modelo no es tanto el aprender a dibujar como el hecho de aprender a usar las nuevas tecnologías con las que se pueden conseguir resultados fascinantes.

Para este modelo cualquier imagen es importante pudiendo ser analizada y estudiada si la situación lo requiere.

APLICACIÓN DIDÁCTICA:

Como este tema trata de los cuatro modelos existentes para la educación artística, supongo que utilizaría cada uno de ellos para lo que verdaderamente hiciese falta siempre teniendo en cuenta el último enfoque que para mi manera de ver es el más provechoso.

Lo cierto, es que el modelo más presentes en las aulas hoy en día es el segundo aunque espero que con las nuevas generaciones de docentes esto cambie y logremos implantar el cuarto modelo para mí el mejor de todos, ya que me ha parecido interesante la forma de abordar los temas que hemos tenido en clase a través de este enfoque.

TEMA 6: LAS IMÁGENES Y LO VISUAL COMO CONOCIMIENTO  COMPLEJO

1. Esquema de repaso 

• Componentes de la imagen:

1. Ser humano
2. Ser individual
3. Ser cultural
4. Ser social

• La imagen como producto de interacciones
• La imagen influye en todo lo que conocemos

1. Conocimiento complejo

a) Huir de las interpretaciones “correctas”:

• Huir de la interpretación correcta escolar
• Para todo hay infinidad de interpretaciones
• Lo que aprendemos y no es decisión del poder

b) ARTES:  “materias mal estructuradas”:

• No siguen patrones fijosà para comprenderlas es necesario el estudio de casos concretos
• También hay conceptos claros y definidos: color, formas, etc.

c) Conocimiento complejo:

• La realidad es complejaà Escuela trata de dar la visión más sencilla
• Para entender cualquier cosa hay que entender el contexto en el que sucede

d) El valor cognitivo de las artes:

• 4 argumentos cognitivos. Efland:

A)    Flexibilidad cognitiva

B)     Integración del conocimiento

C)    Imaginación

D)    Estético

• Las artes y lo visual son motores de aprendizaje
• Trabajar con preguntas complejas
• Cultivar el ojo curioso

TEMA 6: LAS IMÁGENES Y LO VISUAL COMO CONOCIMIENTO COMPLEJO

Bueno aquí comenzamos la segunda y última parte de este blog, el cual incorpora nuevas presentaciones y formas de presentar los temas.

1.- Esquema de repaso

Comenzamos este tema realizando un breve repaso sobre cuáles son los componentes de la imagen, vistos en temas anteriores. Los componentes de toda imagen, como dijimos son: ser humano, ser individual, ser cultural y ser social.

También tenemos que tener claro que toda imagen es el producto de infinidad de interacciones, como pueden ser los canales por donde se mueven, los relatos, las historias, el imaginario, los tópicos…

Con todo esto tendríamos que decir que en toda imagen que vemos influye todo lo que conocemos hasta el momento ya que según nuestro conocimiento podremos analizar la imagen de manera diferente a otra persona.

2.- Conocimiento complejo

A) Huir de las interpretaciones “correctas”: Solemos pensar que lo que se nos enseña en la escuela es lo verdadero, lo correcto, la única versión válida. Pero hoy con este tema tratamos de hacer que no todo lo que se nos enseña en la escuela es válido, ya que en la escuela se nos enseña lo que las personas que tienen el poder quieren que sepamos, ocultándonos muchas cosas. Tenemos que ser conscientes de que una imagen o cualquier cosa que nos afecte está sujeta a miles de interpretaciones y lo que tenemos que conseguir es apartarnos de la visión correcta que se nos da en la escuela y tener esa información como un punto de vista más que complementaría al resto de información e investigaciones que realizaríamos sobre el tema o imagen tratado.

B) ARTESà “materias mal estructuradas”: cuando estudiamos las artes, generalmente se intentan enseñar como cualquier otro tipo de asignatura como por ejemplo, la lengua o las matemáticas. Lo cierto es que este tipo de planteamiento para intentar enseñar las artes es muy discutible. Las artes no son conceptos fijos e inmovibles, sino que son conceptos más bien abstractos y que cambien continuamente, por lo que deberíamos enfocar el estudio de las artes desde otro punto de vista.

Lo primero que tendríamos que tener en cuenta a la hora de transmitir las artes es que no siguen patrones fijos, sino que para comprenderlas hay que realizar estudios de casos concretos. Sin embargo, esto no quiere decir que en las artes no haya conceptos que perduren en el tiempo y, que, por lo tanto, habría que enseñarlos como se enseña a leer por ejemplo, como son la forma, el color, etc.

C) Conocimiento complejo: La realidad como todos sabemos, es compleja, está expuesta a multitud de factores o circunstancias que hacen que varíe constantemente, por lo que, esa visión que se nos quiere dar desde la escuela de una realidad única e invariable está muy distante de la que verdaderamente se da. De la escuela podríamos decir, que se limita únicamente a facilitarnos el punto de vista más sencillo de la realidad, sin adentrarse mucho en complejidades.

Por ello, si nosotros quisiésemos comprender el por qué de las cosas, por qué suceden unas cosas y no otras deberíamos estudiar primero el contexto en el que suceden esas cosas ya que será éste el que marque el por qué.

D) El valor cognitivo de las artes:

     Aquí como primer paso encontraríamos los cuatro argumentos proporcionados por Efland en relación con el valor cognitivo de las artes:

1)      Argumento de la flexibilidad cognitiva: nos quiere hacer ver que hay un campo abierto a análisis complejos. Análisis en los que no importa tanto la obra en sí como su capacidad para aprender a partir de ella y a través suya. Quiere huir en cierto modo del lenguaje para explicar las cosas.

2)      Argumento de la integración del conocimiento: este argumento trata de hilar el mundo en el que viven los alumnos con el que ellos estudian, tratando de establecer una relación de cercanía para que el alumnado no se sienta distante de lo estudiado. Nos quiere hacer ver como la realidad es imposible estudiarla desde un único punto de vista, para ello trata de ir uniendo diferentes hitos para establecer relaciones y narraciones complejas de la realidad.

3)      Argumento de la imaginación: aquí se pretende utilizar a la imaginación como medio para poder explicar cosas que de otra manera no serían posibles como es el caso de los sentimientos, las prácticas morales, etc. Ya que la imaginación nos sirve de ayuda para establecer conexiones y a resolver problemas por ejemplo.

4)      Argumento estético: a las personas nos gustan transformar la realidad en cosas estéticas, bonitas que nos hagan sentirnos mejor y estar más cómodos con lo que nos rodea.

Con todo esto, podemos decir que las artes y lo visual son excelentes motores de aprendizaje, pero de un aprendizaje hilado y consistente, es decir, un aprendizaje complejo. El objetivo de que en la escuela enseñemos artes no es otro que hacer ver a los alumnos las relaciones existentes entre hechos que parecen no tener relación alguna, para así hacerles ver lo complejo de la realidad.

Una buena propuesta para trabajar la complejidad de la realidad sería el partir de preguntas complejas,  preguntas que no pueden ser contestadas con un si o un no sino de manera más elaborada y que haga al alumnado reflexionar sobre lo que le rodea y mirar de manera diferente lo que pasa alrededor suya.

Por ello, y como conclusión, de esta primera parte del tema, sería conveniente crear un alumnado con un ojo curioso que le ayude a investigar por sí solo todo aquello que sucede a nuestro alrededor y no se quede con la interpretación correcta y superflua de la realidad que se nos da desde las instituciones escolares. 

TEMA 6b: ALGUNAS CLAVES PARA COMPRENDER LO VISUAL: TIPOS DE IMÁGENES

1 Las imágenes como representación de lo visual:

• Se pueden parecer más o menos a la realidadà Nunca son la realidad
• Según su parecido con la realidad decimos que son más o menos figurativas:

a)      hiperrealismo y mimesis: copia de la realidad

b)      abstracción: no parecido con la realidad. Tipos:

1)      Orgánica: predominio de lo curvo, formas naturales…

2)      Geométrica: líneas geométricas

3)      Gestual: gesto expresivo del autor

4)      Action painting

• Hay muchas posibilidades intermedias entre realismo y abstracción
• El realismo no siempre es lo mejor ni lo más útil. Depende de la CIRCUNSTANCIA

2 Tipos de imágenes según su función:

c)      Imágenes informativas

d)      Otros tipos de imágenes

e)      Obras de arte:

• Algunos tópicos sobre el arte
• El arte ha servido para muchas cosas
• El arte como medio de comunicación y expresión
• Todas las personas pueden crear imágenes y objetos interesantes

TEMA 6b: ALGUNAS CLAVES PARA COMPRENDER LO VISUAL: TIPOS DE IMÁGENES

Aquí comienzo el segundo apartado del tema 6, cuyo título lo podemos ver sobre estas líneas. Su desarrollo estará supeditado al esquema realizado con anterioridad y en el que he ido destacando los datos más relevantes del tema, o por lo menos, los que para mí lo son.

Para empezar el tema decir que las imágenes pueden o no representar a la realidad, con mayor o menos grado pero que nunca son la realidad; sino que son el objeto de alguien que ha querido crear algo que a él le evoca la realidad.

Por ello, según su parecido con la realidad decimos que son más o menos figurativas, esto es que si una imagen se parece bastante a la realidad será figurativa y viceversa. Dentro de este parámetro podemos distinguir dos tipos de figurativismo, como son el hiperrealismo o mimesis y la abstracción. A continuación procedo a explicarlos:

• Hiperrealismo o mimesis: se trata de cuando una imagen representa con la mayor fidelidad posible a lo real, llegándonos a creer que lo que vemos es real.
• Abstracción: se da cuando lo conseguido tiene escaso parecido con la realidad. Aquí podemos encontrar diversos tipos de abstracción:

1)      Orgánica: en la abstracción orgánica encontramos el predominio de lo curvo, de lo irregular, incluso puede llegar a recordar cosas naturales.

2)      Geométrico: en la que predominan las líneas geométricas, las formas regulares…

3)      Gestual: en la que se destaca el gesto expresivo del autor, es decir, su huella.

4)      Action painting: es el resultado desenfadado de un autor.

Decir también que no hay únicamente los dos extremos, es decir, la abstracción o el hiperrealismo; sino que nos podemos encontrar obras a caballo entre uno y otro por ejemplo.

Por otro lado decir que el realismo no es siempre la mejor opción a la hora de representar algo, ya que por ejemplo, en los servicios de los bares un dibujo realista de un señor o una señora haciendo pipí no sería lo más correcto; por ello se utiliza un dibujo más esquemático en el que se sobreentienda cuál es el de cada uno. Por lo que el dibujo realista no siempre será el mejor para todo, podríamos decir que dependerá de la circunstancia.

Acto seguido, prosigo con el desarrollo del tema introduciéndome en el segundo y último apartado del tema. Este apartado consisten en la clasificación o tipos de imágenes según su función, por ello distinguimos las siguientes:

a)     Imágenes informativas: son aquellas que tienen el propósito de querer informarnos de algo, de hacer constar algo que es relevante. Por ejemplo, lo antes mencionado sobre el dibujo esquemático del servicio de los hombres  y el de las mujeres en los bares. O por poner otro ejemplo,  los aparcamientos reservados para minusválidos, etc.

b)    Otros tipos de imágenes: aquí encontraríamos el tipo de imagen publicitaria, de entretenimiento o de pornografía por citar algunas.

c)     Imágenes obras de arte: son aquellas imágenes que por su valor o la consideración social emergen como obras de arte para la sociedad en la que ha sido creada.

Sobre el arte se han ensayado muchas definiciones que lo que persiguen no es otra cosa que considerar algo como arte y otra cosa como no arte. Por ello, podremos encontrar definiciones de arte según la técnica, la intención del autor… De aquí que deriven muchos tópicos sobre el arte para reforzarlo aún más como son el hecho a mano, difícil, vello, valioso…

Pero en realidad el clasificar un objeto como arte es muy difícil.

También hay que decir que a lo largo de la historia el arte ha servido para muchas cosas: decorar, educar, narrar, expresar, entender… En realidad, lo que nos interesa de verdad es si una obra nos dice o nos cuenta algo entonces será cuando para nosotros sea arte. Por ello nosotros como educadores tenemos que crear en los niños esa curiosidad para que las imágenes o las obras de arte les cuenten algo y no sólo se queden con esa definición de arte que se les da y punto.

Y para finalizar, toda persona es capaz de crear arte y objetos muy interesantes.

 TEMA 6c: ALGUNAS CLAVES PARA COMPRENDER LO VISUAL: LOS CANALES DEL ARTE

1 Canales de difusión de lo visual:

1. Difusión social:

• Mass media: TV, periódicos…
• Publicaciones especializadas: revistas, libros, etc.
• Canales del propio Arte: galerías, museos…

1. Imágenes privadas:

• Fotografías familiares
• DNI y pasaportes
• Comunicación privada: WEBCAM

1. Imágenes producidas, no controladas:

• Escáneres de aeropuertos, trenes…
• Cámaras de video vigilancia

• Los límites entre unas y otras no están clarosà Muchas imágenes son emitidas sin el consentimiento del protagonista o sin que éste tenga conocimiento alguno de su emisión
• Internet ha revolucionado la manera de transmitir imágenes globalizándolo todo. Cualquiera puede acceder a las imágenes y manipularlas
• Todos los canales están controlados por el poder y por las empresas

2 El control de los canales:

a)      El control de los medios no es sólo sobre la información sino:

1. Qué cine, documentales, o dibujos animados se ve
2. Qué productos se comercializa en masa y cuáles no
3. Personas que interviene en debates…

b)      Los contenidos siempre contienen ideologíasà La escuela debe enseñar a descubrir lo que ocultan estos medios

 TEMA 6c: ALGUNAS CLAVES PARA COMPRENDER LO VISUAL: LOS CANALES DEL ARTE

Aquí comienzo el último apartado de este nuevo tema, del cual, al igual que los dos apartados anteriores desarrollaré a partir del esquema realizado.

El tema comienza por el estudio de los canales de difusión de lo visual. Podemos encontrarnos tres modelos de imágenes que se difunden de manera muy distintas.

• Por un lado están las imágenes de difusión social, aquellas que están previstas para poder ser observadas por todo el mundo; y sobre las cuales recae el peso de los poderosos que son los que deciden qué se ve y qué no. Lo deciden a través de los mass media (TV, periódicos…), de las publicaciones especializadas (revistas, libros, etc.) y los canales del propio arte (museos o galerías)
• Por otro lado estarían las imágenes de ámbito privado, aquellas imágenes diseñadas para ser vistas por pocas personas. Como son las fotografías familiares, el DNI y el pasaporte o la comunicación privada a través de Internet vía WebCam.
• Por último encontraríamos las imágenes producidas sin control, aquellas imágenes que sirven para la vigilancia por ejemplo.

Lo único cierto es que los límites entre un tipo de imagen y otra no están claramente definidas, ya que muchas imágenes son emitidas sin el consentimiento del protagonista de dicha imagen, o simplemente sin que el protagonista sepa que le están tomando una foto. Esto suele pasar muchas veces en la prensa del corazón, cuando hablan de los robados.

Internet por otra parte ha contribuido en gran parte a esto que en el párrafo anterior contaba, ya que se ha convertido en una herramienta de uso cotidiano y donde la persona tiene acceso a cualquier tipo de imagen pudiéndola transformar a su antojo.

Lo que si que tenemos que tener claro con respecto a los canales de difusión de lo visual es que están controlados y controlados por el poder político de turno o por el poder de las grandes empresas nacionales e internacionales.

A raíz, de esto último comentado comienzo con el desarrollo de la segunda parte del tema. Como ya he dicho antes los medios de comunicación hoy en día están controlados por el poder político de turno o por las empresas más poderosas del momento, lo que hace que lo que nosotros vemos, oímos o compremos esté controlado por estos magnates, que no tienen otro objetivo que posicionar a la población en torno a su ideología. Y es aquí donde entra en juego el papel de la escuela. Nosotros como futuros docentes no podemos permitir que de la escuela salgan niños adoctrinados por lo que por la tele ven o pone en el libro de texto; tenemos que hacerles ver más allá de donde ellos alcanzan a ver y enseñarles que todo lo que ven no es absoluto sino relativo, por lo que lo que tenemos que conseguir no es otra cosa que siempre relativicen y se cuestionen sobre lo que ven y de qué manera les llega la información.

APLICACIÓN DIDÁCTICA:

Puesto que en la LOE no trata este tema de forma clara, por lo menos a mi entender, creo que se centra en los aspectos más típicos de la Educación Artística, trataría este tema en el tercer ciclo de primaria, concretamente en el bloque 1 que creo que es el que más se ajusta a lo que se podría estudiar de este tema. Comenzaría con algunos de los puntos señalados en el currículo para luego ir derivando el tema hacia lo que a mi me interesa.

Los 40 principales

Hoy trataré de hablar sobre el Tema 5: Visualidad e identidad. Visualidad y narrativa  (que es así como se titula el tema en cuestión), del que se desprende una idea principal o general y es que las obras de arte no son algo que se enseñan sino que se aprenden a partir de ellas.

A continuación, empezaré redactando cada uno de los apartados del tema:

Imaginarios:

Las obras de arte conforman con el resto de las imágenes el imaginario (concepto que ya he desarrollado en uno de los temas), por ello el imaginario actúa más de lo que nosotros pensamos.

Una de las cosas que hay que tener claras, es que las imágenes nos mediatizan, pero no son las imágenes por sí solas las que mediatizan para que mediaticen es necesario que una o varias personas la creen para ese fin mediatizante, de esto se desprende que son las personas con unos determinados fines u objetivos los que nos mediatizan. Por ello, somos en este sentido menos libres de lo que podíamos llegar a pensar que éramos. Por ejemplo, solo hay que pararse a pensar en la ropa. Somos libres de comprar cualquier tipo de ropa sí, pero ¿cuál es la ropa que compramos?, la respuesta a esta pregunta es bastante fácil y obvia después de lo dicho aquella ropa que esté mediatizada, que goce del consenso general y de una mega campaña publicitaria.

Otro concepto que hay que tener claro en cuanto a imaginario se refiere, es que no todo el mundo a lo largo de la historia ha estado marcado por un mismo imaginario. Con esto me refiero a que las imágenes van cambiando, los gustos por éstas también y en consonancia cambian nuestros imaginarios. Aunque también cabe decir que estos imaginarios nuevos se alimentan de imaginarios anteriores.

Tenemos que tener claro que los imaginarios influyen en nuestro modo de mirar por ello, las obras que realicen nuestros alumnos también estarán determinadas por su imaginario.

La identidad es uno de los aspectos fundamentales para trabajar en la escuela:

Los imaginarios construyen nuestra identidad, de tal forma que nos llevan a creer en la separación entre bueno y malo por ejemplo. La imagen no sólo transmite información sino que nos sitúa, nos cambia. De este modo hace la diferenciación entre hombre y mujer y le da a cada uno un papel diferente.

Cuando por ejemplo hablamos de los estereotipos de belleza estamos hablando a través de las imágenes que inconscientemente han construido nuestro imaginario sobre cómo debe ser el hombre y la mujer perfecta y la función que debe tener cada uno. Esto sólo hay que mirarlo en las campañas publicitarias lanzadas por ejemplo por PlayBoy donde se ve a la mujer siempre desnuda y provocativa o por ejemplo en revistas destinadas a mujeres donde se muestra al hombre semivestido todo cachas y toda su virilidad concentrada en el pene.

Por ejemplo, voy a mencionar una forma de trabajo que podríamos practicar con los niños para crear su propia identidad. Esta forma está basada en que no se queden sólo en lo perceptivo sino que se pregunten el por qué de las cosas y busquen las causas. Una ilustración de esto sería el comentario que hicimos en clase sobre la foto de las animadoras americanas, entre otras aportaciones destacaré las siguientes:

Por qué no hay animadores, por qué sólo son mujeres.

Las animadoras sirven para atraer al público, para excitarlos.

A la primera cuestión señalar que nos estamos refiriendo a un claro caso de machismo que se ve reforzado por la segunda cuestión donde vemos que la mujer se está utilizando como provocadora, como un ente con un único fin y es el de alegrar al personal de su alrededor.

Todo esto tiene que ver con la sociedad del espectáculo que crea los estereotipos de identidad.

De igual manera comentaré la foto siguiente, la mujer con el bate de beisbol, de la cual se resaltó que tal vez los guantes de beisbol tienen una doble intención. Por un lado se nos está ofreciendo  un producto comercial como son los guantes de beisbol, pero de manera implícita se nos está ofreciendo también a la mujer. Si los guantes están puestos en los pechos de la mujer, formarán parte también de ella por lo tanto nos llevamos las dos cosas.

Por otro lado, comentaré las mujeres afganas con los burkas. De aquí dijimos que se trata de una injusticia el que lo tenga que llevar de manera obligatoria ya que la mujer de esta manera no puede ser libre y mucho menos mostrarse a los demás, pasa a ser propiedad del marido, que es el único que puede verla. Por ello la mujer pasa a ser un objeto.

Desde un punto de vista visual todas estas imágenes comentadas hasta ahora coinciden en que vemos lo que quieren que veamos, y en que hay personas que tiene el poder para ver lo que de verdad ocurre y que no se nos muestra al resto.

Por ello, muchas veces las personas para que se nos veas y hacernos notar a nosotros mismos que nos ven tenemos que comportarnos tal y como quieren que nos comportemos las personas que tienen el poder y tenemos que actuar de maneras que tal vez a nosotros no nos interesan para nada, pero que si no actuamos de esa manera seremos ignorados.

Como conclusión de todo esto quién decide cómo somos nosotros no somos nosotros sino las personas que tienen el poder y que marcan lo que hay que hacer y lo que no en cada momento.

Por ello, esto tenemos que tratar de combatirlo y combatirlo desde la escuela para que los niños sepan en un futuro no muy lejano como combatir a esto y no es de otra manera que interrogándose sobre las cosas que les acontecen.

Todas las imágenes que fuimos viendo a lo largo de la sesión dejaron ver que lo que buscan es el dinero haciendo cualquier cosa, para ello tenemos que tener cerebro para no caer y esto depende de la voluntad que tenga cada uno y la capacidad de análisis.

Del mismo modo el espectáculo crea historias donde se nos muestra qué es el bien y el mal habiendo historias de todo tipo.

Por ejemplo, podemos ver la película “Sin tetas no hay paraíso” donde se nos muestra una historia que tiene que ver con el amor pero un amor fatídico e irresistible. Otro ejemplo, sería la película de la “Guerra de las Galaxias” en la que aparecen en portada Darth Vader y un niño. Con esto nos están diciendo que ser malo lo tenía destinado desde que era niño y que por lo tanto en nuestras vidas siempre entra el juego el destino todo está predestinado.

Lo que parece que es inocente en un principio forma parte de una trama de poder que apareció desde muy antiguo.

 ¿Por qué actuamos como lo hacemos? ¿Qué dicen las imágenes de mí? ¿Me comporto como las imágenes quieren que me comporte?:

Una de las cosas que no podemos obviar es que las propias imágenes configuran nuestra identidad, pero también podemos considerar que en nuestro mundo las identidades no son estables, puesto que las imágenes tampoco lo son.

Una de las cosas que tenemos que tratar de trabajar con nuestros alumnos es que construyan por ellos mismo su propia identidad, pero que sea una identidad sana y fuerte que les permita reflexionar sobre quiénes son y por qué.

Muchas veces los modelos de éxito difundidos por los medios son realmente perversos. Por ejemplo, en Irak predominará como modelo de éxito aquel que de la vida por Alá y luche contra los infieles de occidente. Sin embargo, hay otro tipo de modelos, modelos que surgen y se convierten en popularísimos por ser la ex de o el amante de, que hacen creer a muchas personas que el éxito en la vida está en eso en acostarse con un famoso para luego ir de plató en plató vendiéndote y haciéndote de oro cueste lo que cueste.

En la escuela, nosotros como futuros docentes podemos trabajar sin miedo alguno el tema de la identidad y además de manera muy positiva. Por ello se nos enunció en una de las diapositivas una serie de elementos para trabajar un tipo de identidad que permite a los niños ser críticos y constructivos, entre las pesquisas podemos señalar:

La que los medios promocionan sobre los propios niños

La de los “modelos de éxito”

La de las supuestas “vidas felices”

La de nuestro entorno

La de la cultura de origen de los niños

La de los “otros”: los excluidos, los inmigrantes, etc.

La de los propios niños de nuestra clase, la de la Escuela, la nuestra…

 Otra de las cosas a decir en este apartado sería que nosotros participamos del espectáculo de las imágenes de forma performativa: haciendo y actuando como ellas hacen y actúan; pero esto no quiere decir que veamos las cosas como son. Si no tenemos conciencia no somos nadie ya que dejaremos influenciarnos por los demás.

Lo que nos interesa es que los niños aprendan primero a mirar, luego a reflexionar y por último a expresar. Le tenemos que enseñar a ser capaces de contar, a percibir y después de todo esto a dibujar.

Nuestras vidas son historias, son relatos:

Aunque estos relatos pueden ser construidos por los imaginarios o los estereotipos también deben ser construidos por las experiencias de cada uno de nosotros.

Deberíamos procurar realizar relatos sobre quiénes hemos sido y quiénes somos, todo ello a través de la metacognición, es decir, el ser capaces de separarnos de nuestras propias vidas y mirarlas como si fuésemos un espectador más de una sala de cine, para así buscar la libertad.

            Hoy hablaré sobre el artículo publicado por el profesor José Pedro en la revista Red Visual que pudimos y leer y debatir en clase.

El debate o la tertulia dialógicas, que es así como se le denomina a debatir sobre un artículo comenzaron sobre el comentario de la introducción a lo que  sería el grueso del artículo y que nos sirvió para irnos haciendo una idea de lo que luego vendría.

Comenzamos comentando diferentes puntos sobre la introducción de entre los que destacan por ejemplo, el que nosotros cuando conocemos o vamos a conocer algo vamos con unas ideas previas, imaginamos y nos hacemos ideas de lo que queramos ver. Tenemos ideas preconcebidas. Como podemos ver con esta información todo esto influye en los niños a la hora de pensar para qué les sirve la escuela y sus ideas sobre ella.

         Otras de las ideas a destacar de este marco introductorio fue que hay muchas veces más que lo que tenemos delante, lo que cuenta es lo que vemos de lo que tenemos delante. Otra de las ideas a destacar sería que el patrimonio no es sólo un testimonio del pasado, es mucho más que eso. Es un ente vivo que precisa de reflexión para ser entendido.

Otro de los aspectos importantes en cuanto a patrimonio se refiere sería que el patrimonio es siempre una decisión política, con esto nos referimos a que quién decide qué es y no es patrimonio lo deciden la gente con poder (políticos, iglesia…) y no las personas de a pie.

         De este modo comenzaron a surgir diferentes preguntas o interrogantes en las cabezas de cada uno que serían resueltas por lo menos en su gran mayoría cuando comenzamos a desmenuzar el sentido de las obras o del patrimonio, los aspectos más importantes por así decir. Entre otros el artículo citaba los siguientes: poliédrica, un ser social, de sentido cambiante, de valor inestable, mediadora y facilitadota de interpretaciones.

A continuación desarrollaré cada uno de estos aspectos con las opiniones obtenidas en clase por los diferentes alumnos.

1.- Las obras son poliédricas:

         Cuando hablamos de que una obra es poliédrica nos referimos haciendo una similitud con un poliedro a las diferentes caras que puede o haya podido tener la obra a lo largo de su historia. Por ello, un mismo edificio como por ejemplo la Cartuja sevillana ha podido tener y de hecho las ha tenido diferentes funciones según el tiempo. Con todo ello estoy intentando hacer ver que a la hora de comprender o darle sentido a una obra patrimonial debemos de realizar un análisis crítico de cada una de las caras que haya podido tener la obra aunque sean opuestas. Sólo de esta manera alcanzaremos la comprensión de la obra de manera poliédrica, por ello cuantas más caras conozcamos mejor. Por ello tenemos que tener claro, que a la hora de analizar cualquier conjunto patrimonial hay que saber en cierto modo su historia y no sólo quedarnos con la que a nosotros más nos interese sino que tenemos que construirnos una visión de ello a través de las diferentes funciones o caras que haya podido desempeñar a lo largo de la historia.

Esto es muy importante a la hora de trabajar con los niños ya que nos sirven como motores de aprendizaje para muy diversas disciplinas y muy diversos planteamientos.

2.- Seres sociales:

         Al hablar de obras como seres sociales no estamos refiriendo a la importancia que adquieren las obras según la sociedad que la rodee. Con esto estoy queriendo decir que las obras son importantes o se consideran parte de nuestro patrimonio porque la sociedad ha querido que lo sea.

Por ello, las obras toman sus sentidos de las distintas sociedades con las que han convivido o conviven, y dentro de cada cultura adquieren sentidos diferentes según el colectivo que las disfrute.

Si aplicamos o analizamos las interpretaciones que se dan del patrimonio en la escuela vemos que en muchos casos la interpretación que se da es de tipo estándar, por ejemplo, se busca que los niños sepan el contexto histórico de la obra y datos relevantes sobre ella que sólo le interesaría a un experto en bellas artes. Lo que perseguimos es crear un punto de vista combinado con lo que puede ser una enseñanza estándar y una enseñanza basada en la opinión de los alumnos sobre la obra el que seamos capaces de de saber lo que nos dice la obra que vemos

3.- El sentido de las obras es cambiante:

         Si el sentido de las obras depende de la cultura en la que se vean inmersas entonces el sentido de las obras es cambiante. Tal vez con esto no quede muy claro lo que quiero decir pero si digo que las obras varían y que tal vez, y tomo como ejemplo el David de Miguel Ángel, en sus inicios sería una representación religiosa encargada sin más pero que luego se convirtió en todo un símbolo de Florencia y como figura de oposición al papado. Más tarde esta misma obra se convirtió en el modelo de hombre a seguir, en cuanto a estructura física. Posteriormente la obra adquirió tonos de referente para toda la Europa del momento para convertirse finalmente en lo que hoy conocemos un David con muchas y diversas interpretaciones, pero que todas forman el David.

Interpretar con los alumnos no es que nos cuenten que piensan sino que nos cuenten que piensas después de haber trabajado por ejemplo con el David. No podemos llegar a clase exponer una imagen del David y que nos digan lo que piensa, lo que debiéramos de hacer es exponer el David hacer un estudio sobre éste y luego que los alumnos saquen sus propias conclusiones sobre la obra.

4.- De valor inestable:

         Si las obras son seres sociales y su sentido también es cambiante, su valor de igual modo es cambiante.

Muy relacionado con esto estaría las figuras u obras que se erigen como elementos patrimoniales. Éstas no se erigen porque el pueblo llano así lo haya decidido sino porque detrás se mueve cierto poder político o religioso que le interesa destacar algunos aspectos sobre otros. Por ello, según quién esté en el poder se le dará más importancia a algunas cosas que a otras.

5.- Las obras son mediadoras:

         Las obras están enormemente vivas: influyen sobre nuestro modo de ver y entender cuanto nos rodea. De alguna manera, vemos desde ellas. Son poderosas.

Una de las cosas que definen un valor de una obra es su capacidad para relacionarse con las personas. Esa relación es dialéctica, es decir, las imágenes nos dicen cosas y nosotros a ellas también. A esto José Pedro lo denomina “las imágenes como campos dinámicos” que quiere decir que cada vez que nos encontremos con una imagen podemos interpretarlas y darle sentidos.

Otro de los aspectos importantes en este apartado es que las imágenes construyen nuestra visión de la realidad, llegan a formar parte de nuestro imaginario y sin querer por ejemplo a través de campañas publicitarias crean prototipos de hombre fuertes y que basan todo su poder en su pene y de mujeres tontas que tienen como único fin la seducción al hombre a través de cualquier meta.

6.- Las obras son facilitadoras de interpretaciones:

         Para construir nuestras interpretaciones cogemos relatos de diversas procedencias y empezamos a dialogar con ellos.

Todos los relatos que vienen de fuera están teñidos de ideologías, por eso las imágenes están cargadas de política.

Todas las interpretaciones que nosotros hagamos de una obra son ideológicas. Por consecuencia, en la obra no sólo está presente lo que es sino cada una de las interpretaciones que le da cada persona.

La escuela debe evitar el relato único. Lo que tenemos que buscar con ayuda de nuestros alumnos son interpretaciones que a ellos eles valga. Por ello, las personas debemos construir interpretaciones de las imágenes, para que cuando nos enfrentemos a ella por ejemplo en un museo no sea de aspecto anonadado y sólo prestando atención al experto que nos habla de los tonos de colores utilizados y demás que a nosotros nos importa poco. Tenemos que ser capaces de construirnos nuestra propia interpretación para no ser un espectador más y tener nuestra propia visión.

Por ellos las obras deben ser motores de aprendizaje, motores que se formen a partir de los interrogantes que les planteemos a las diferentes obras y que luego seamos capaces de adquirir repuestas que nos sean útiles.

         Como conclusión, el patrimonio merece ser vivido en libertad por ello tiene que haber varias interpretaciones. De lo contrario, si convertimos el Patrimonio en objeto de una clase de anatomía y disección…sólo tendremos algo muerto.

        Hola a todos de nuevo. En este nuevo tema comenzamos una nueva forma de dar clases, para mi gusto más interesante que las anteriores ya que por lo menos se hacen más amenas.

         Bueno con esto empezamos el Tema 4: ¿Por qué existen las imágenes? y Sociedad del espectáculo.

         La clase comenzó con la pregunta que nos hizo a todos el profesor sobre para qué creíamos nosotros que existían las imágenes. Para ello cada uno puso cinco razones por lo que creía esto, las mías fueron:

a)     Como necesidad del hombre para representar la realidad

b)    Como forma de creación

c)     Para dejar constancia de algo

d)     Para llamar la atención

e)     Para crear estilos

Una vez escritas la razones de cada cual, nos colocamos en grupos de 4 y trataríamos de sacar conclusiones a partir de las respuestas de cada uno para luego quedarnos con cuatro razones. En mi grupo cogimos la que mejor nos parecía de cada uno de forma que tuviésemos esas cuatro razones.

Acto seguido cuando todo el mundo tuvo las cuatro razones, el profesor fue preguntando grupo por grupo lo que para cada grupo creía que existían las imágenes. Las respuestas fueron muy variadas pero la gran mayoría coincidimos en muchas (todas las respuestas las encontraréis más abajo en Tema 4 en imágenes).

         Prosiguiendo con la clase nos centramos en unas de las respuestas que más se dio a la pregunta, que era “para reflejar la realidad”. De aquí deducimos que nuestra realidad es una realidad cultural, que será diferente que para otro ser de otro mundo que tenga otra cultura, ya que por ejemplo nosotros podemos distinguir varios tipos de vaqueros y agruparlos todos en el concepto de pantalón vaquero; mientras que un esquimal por ejemplo no distinguirá esto pero si distinguirá los diferentes tipos de nieve; cosas que nosotros no.

También deducimos que las imágenes sirven para conocer, pero sólo a media, ya que por ejemplo para nosotros ver una célula a través del microscopio primero tenemos que tener el concepto de célula.

Continuamos viendo el poder que tenían las imágenes sobre nosotros ya que nos dominan, entre otros, este es uno de sus usos. Por ello dijimos que todas las imágenes son interpretaciones, y con esto nos referimos a que cuando por ejemplo vemos el atentado del 11M no estábamos viendo el atentando tal cuál como estaba sucediendo sino que estábamos viendo lo que los señores de la tele querían que viésemos. Por lo que aquí podemos comprobar que a la hora de transmitir una imagen sigue un proceso muy meticuloso de selección.

         A continuación, entramos en unos de los conceptos claves del tema derivado de este asunto anteriormente tratado, que no es otro que el imaginario. El imaginario no es otra cosa que una galería de imágenes que tenemos en nuestra memoria que nos hace mirar la realidad tal y como la tengamos presente en él. A través del imaginario obtenemos como es el amor por ejemplo, el sexo…

Otra de las cosas curiosas de esto es que sólo podemos ver lo que nuestro imaginario nos permite ver, nunca veremos nada que no esté en nuestro imaginario.

         Con todo esto de las imágenes pasamos a ver que las imágenes durante bastantes siglos atrás eran muy escasas y cuando se hacían no era por ningún motivo aparente (como por ejemplo el cuadro de un marqués) o para dejar constancia de una divinidad (como los emperadores egipcios). Hasta entonces las imágenes estuvieron controladas por las clases dominantes ya que eran los únicos que podían pagarse ese tipo de caprichos o eran realizadas por la Iglesia para mostrarnos la vida de los santos y así mantenernos en la opiedad. Pero todo esto cambia, y cambia a finales del siglo XIX. Cambia con motivo de la invención de la fotografía, lo que da lugar al segundo enunciado de este tema la sociedad del espectáculo. A partir de la creación de esta sociedad todas las batallas se darán a través de imágenes y se definiría porque la gente no mira la realidad sino la representación de ésta.Centrándonos un poco en la fotografía (de la que hablo en el tema anterior) la primera foto fue tomada en 1827 que se obtuvo utilizando la cámara oscura y que necesitó ocho horas de revelado. En 1839 aparecería el daguerrotipo que reducía el tiempo de revelado. Durante bastantes años el daguerrotipo fue el elemento más usado a la hora de tomar fotografías, hasta que en 1884  Eastman patenta la película continua y en 1888 crea la primera cámara Kodak que popularizó el invento fotográfico ya que era algo accesible para todas las clases sociales. Esto permitió una revolución en el mundo de las imágenes ya que ahora se veían cosas que antes no se habían podido ver, ya que por ejemplo al pintor no le pagaban por realizar un cuadro sobre hombres segando, mientras que con la fotografía se podía dejar constancia de ello. Además de inmortalizar momentos claves en la historia de la humanidad como la llegada del hombre a la Luna, etc.

Todo ello fue acompañado de los cambios técnicos que se produjeron en la imprenta ya que facilitaron la propagación de imágenes por todos lados.

         Con todo lo dicho comenzamos a hablar del cine, que será el primer y gran espectáculo hecho mediante imágenes. Los hermanos Lumière fueron los que registraron la patente del cine y suya fue la primera producción. Aunque verdaderamente quien le dio importancia a esto del cine fue G. Melies que vio las ventajas del cine y comenzó a añadir los efectos especiales.

En un principio el cine fue mudo y en blanco y negro, luego se le añadió voz y por último vino el cine a color todo ello hizo que en breve espacio de tiempo el cine se convirtiese en un verdadero fenómeno de masas.

El cine se convirtió pronto en un arma política más y fue usado como propaganda.

Una de las cosas fundamentales del cine es el poder del espectáculo. Nos hemos encontrado una sociedad que ve la vida a través de pantallas y lo que ocurre ahora mismo es una exageración de esto. Lo que ha hecho que el cine provoque muchos modos de mirar. Para conseguir tal influencia en nosotros y hacernos sentir más partícipes de lo que ocurre en la grabación cinematográfica pronto se empiezan a utilizar los diferentes planos como por ejemplo el plano contraplano, primer plano, plano detalle, plano medio, contrapicado…

Otra de las cosas que ha conseguido el cine es hacer desaparecer la frontera entre lo real y lo imaginario de tal forma que creamos que algo es verdad cuando no lo es. Todo ello comenzó hace unos 15 años con el desarrollo de las nuevas tecnologías que hacen aparecer los efectos imaginarios.  Pero lo que verdaderamente rompe esta barrera son las TIC que hacen posibles que imágenes irreales parezcan  más verdaderas que las de verdad.

El cine trae como fenómeno innovador la admiración por los actores, una relación que llega hasta el cariño incluso sabiendo que nunca se conocerá a ese actor más allá de la pantalla.

         Después del cine, llegó otra gran innovación la invención de la televisión la cual vio luz por primera vez en los años 30 y desde entonces no ha dejado de evolucionar, hasta convertirse en imprescindible en los hogares familiares. La televisión estuvo basada en los principios del cine sólo que se transmitía mediante hondas.

La primera retransmisión televisiva fueron los JJ.OO. de Berlín de 1936 que fueron retransmitidos por los nazis en plena propaganda política de su ideología con aquello de que querían demostrar la superioridad de la raza aria. En el año siguiente Francia y Reino Unido emiten de manera regular televisión. Y no sería hasta 1948, es decir, 10 años después cuando se emite por primera vez en nuestro país.

La televisión cambió hábitos dentro de cada familia, se convirtió rápidamente en el centro del hogar el lugar donde la familia se reunía pero esta vez no para hablar sino para mirar la tele. Con todo ello en nuestros hogares comienzan a entrar publicidad de todo tipo lo que convierte a la tele como un medio de propaganda con muchísima difusión siendo capaz de cambiar costumbres o crearlas por ejemplo. Uno de sus conflictos es el enganche que ocasiona a todas la edades cosa que no es recomendable para ninguna edad en especial para los niños que no hacen otra cosa más que mirar la tele en lugar de jugar con sus amigos en la calle.

La tele se verá pronto apoyada por mecanismos como la cinta con la que se nos permite grabar imágenes y tenerlas para siempre o la cámara de video.

         Vivir en una sociedad del espectáculo todavía no lo tenemos asumido del todo, sobre todo en el poder que tiene Internet. El protagonismo en esta sociedad no se consigue a través de tus méritos sino por lo que haces para entrar en el mundo del espectáculo. De ahí que esta sociedad cree sus propios iconos.

Una de las características de esta sociedad es que siempre hay alguien grabando por lo que siempre estamos expuestos a esta sociedad. Otra sería que aquí el poder decide qué es lo que se ve y lo que no para así tenernos siempre bajo su dominio dejando fuera del espectáculo todo aquello que no le interese.

Algo que se da en esta sociedad es el performing que consiste en decirnos como nos debemos de comportar. Una de las cosas que esconde es que esto nos lleva a sentir descontentos si no hacemos lo que se nos marca.

Esta es una sociedad que lo cosifica todo, trata a todo como producto sin importarle nada ni nadie.

Relacionados con el tema del performing están los estereotipos, que sería algo que todo el mundo conoce y que tiene que ser de ese modo porque es así como se conoce. Por ejemplo, en el caso de estereotipos estaría la estampa de la pareja en la playa de noche como síntoma de romanticismo y muchas de las cosas relacionadas con el tema amoroso. Los estereotipos, aunque en su mayoría son falsos, hay algunos que son verdaderos.

Siguiendo con los estereotipos me gustaría recalcar que muchos son peligrosos ya que ordenan nuestra manera de pensar, no nos dejan ver más allá de lo que ellos marquen. Todo ello es intencionado, la prueba de ello es que detrás de cada uno de ellos hay una gran empresa, políticos e incluso algunas religiones, que lo que intentan no es otra cosa que mantenernos bajo su control para así entrar a formar parte de otra oveja más dentro de su gran rebaño.

Para intentar romper con el mundo esteriotipado un buen método sería estudiarlos y trabajarlos en la escuela. Con esto me refiero a que podríamos ayudar a los niños a conocer los esteriotipos e intentarles despertar la curiosidad sobre qué encierran detrás de ellos y cuál es su fin; de este modo les enseñaríamos a relativizar y a no tomarse las cosas que vean por la tele como una gran verdad.

Puesto que los esteriotipos tratan de crear una sociedad en la que no se vea más allá de lo que ellos marquen, hacen que aquellos que no los sigan acaben siendo marginados por el resto. Para marginarlos se basan en el miedo de las personas a no existir por ejemplo.

         Finalmente, en la sociedad de hoy en día en la que cada persona cuenta con su propia cámara portátil ya sea de móvil o digital, nos hemos convertidos cada uno de nosotros en actores y espectadores de la sociedad del espectáculo. Con esto de actores me refiero a que hemos hecho de nuestra propia vida un teatro, tenemos la necesidad de mostrarnos al mundo, de que nos conozcan, hasta tal punto de no sentirnos realizados si por ejemplo no tenemos un Tuenti donde mostrar las cosas que hicimos ayer tarde a todo el mundo que quiera ver esas imágenes. Y con lo de espectadores es que a la vez que somos actores nos convertimos en nuestros propios espectadores cuando miramos lo que hemos hecho o lo que han hecho los otros.

         Con esto doy por finalizado el Tema 4.

tema-4-en-imagenes 

Buenas a todos de nuevo. Hoy me dispongo a contar el último de los tres temas más aburridos de lo que es el temario de Ed. Artística (o al menos eso dice Jose Pedro). Bien, dicho esto el tema a tratar en cuestión es el Tema 3: Técnicas, medios y materiales de  creación más plástica más usuales.

Empezamos el tema diciendo que existen muchas posibilidades, muchas técnicas a la hora de crear una imagen, un objeto o lo que fuere. Algunas de estas técnicas vienen siendo utilizadas desde hace mucho tiempo, son las que llamamos técnicas tradicionales, que serían de tres tipos:

a)      técnicas tridimensionales: modelado, talla, etc.

b)     técnicas bidimensionales: dibujo, pintura, estampación…

c)     otras técnicas tradicionales como el calado, la vidriera…

Otras técnicas son de un uso más reciente, como por ejemplo todas aquellas derivadas de la fotografía o de las TIC (tecnologías de la información y la comunicación).

También sabemos que hay modos de expresión que no están basados en las técnicas anteriormente mencionadas, más bien tienen que ver con la expresión del cuerpo, la creación de situaciones, land art…

Una de las cosas que nos tienen que quedar claras a nosotros como futuros docentes es que a la hora de corregir un trabajo al alumnado no es la técnica que haya utilizado o su dominio de la misma, sino los pasos que ha seguido el alumno hasta obtener el resultado. Con esto lo que intentamos es hacer ver que todas las técnicas son válidas siempre y cuando se consiga lo que se pide, ya que lo que para algunos es fácil según que técnica para otros resultará un martirio.

         Antes al mencionar los distintos tipos de técnicas no me paré a redactarlas o por lo menos a intentar explicarlas con mayor detenimiento, pues bien, ahora me gustaría explicarlas con mayor claridad.

1.- Técnicas y procesos tridimensionales: volumen

Dentro de estas técnicas tendremos que tener una serie de contenidos elementales como la adición, sustracción, construcción, deformación, transformación y otros modos (todas estas técnicas se verán reflejadas luego en el tema 3 en imágenes, tanto la técnica como el material utilizado en ellas).

1 A.-Adición

La adición es una palabra que viene del latín y que significa añadir.

Las técnicas de adición son las del modelado (arcilla, yesos, plastilinas…), entre las técnicas más habituales del modelado encontramos los cilindros, las placas, el mantenimiento hueco, etc.

Una de las cosas que requiere el modelado es el uso de armazones que permitan soportar el peso del material utilizado, ya que normalmente lo que se trabaja no suelen ser figuras de 5 cm. sino bastante más grandes.

El proceso de moldeado es un proceso algo largo que luego trataré de representarlo mediante imágenes, pero aquí trataré de explicar los pasos que sigue un ladrillo hasta alcanzar su forma:

1) Maduración

Antes de incorporar la arcilla al ciclo de producción, hay que someterla a ciertos tratamientos de trituración, homogeneización y reposo en acopio, con la finalidad de obtener una adecuada consistencia y uniformidad de las características físicas y químicas deseadas.

El reposo a la intemperie tiene, en primer lugar, la finalidad de facilitar el desmenuzamiento de los terrores y la disolución de los nódulos para impedir las aglomeraciones de las partículas arcillosas. La exposición a la acción atmosférica (aire, lluvia, sol, hielo, etc.) favorece, además, la descomposición de la materia orgánica que pueda estar presente y permite la purificación química y biológica del material. De esta manera se obtiene un material completamente inerte y poco dado a posteriores transformaciones mecánicas o químicas.

2) Tratamiento mecánico previo

Después de la maduración que se produce en la zona de acopio, sigue la fase de pre-elaboración que consiste en una serie de operaciones que tienen la finalidad de purificar y refinar la materia prima. Los instrumentos utilizados en la pre-elaboración, para un tratamiento puramente mecánico suelen ser:

-Rompe-terrones: como su propio nombre indica, sirve para reducir las dimensiones de los terrones hasta un diámetro de entre 15 y 30 mm.

-Eliminador de piedras: está constituido, generalmente, por dos cilindros que giran a diferentes velocidades, capaces de separar la arcilla de las piedras o chinos.

-Desintegrador: se encarga de triturar los terrones de mayor tamaño, más duros y compactos, por la acción de una serie de cilindros dentados.

-Laminador refinador: está formado por dos cilindros rotatorios lisos montados en ejes paralelos, con separación, entre sí, de 1 a 2 mm, espacio por el cual se hace pasar la arcilla sometiéndola a un aplastamiento y un planchado que hacen aún más pequeñas las partículas. En esta última fase se consigue la eventual trituración de los últimos nódulos que pudieran estar, todavía, en el interior del material.

3) Depósito de materia prima procesada

A la fase de pre-elaboración, sigue el depósito de material en silos especiales en un lugar techado, donde el material se homogeniza definitivamente tanto en apariencia como en características físico químicas.

4) Humidificación

Antes de llegar a la operación de moldeo, se saca la arcilla de los silos y se lleva a un laminador refinador y, posteriormente a un mezclador humedecedor, donde se agrega agua para obtener la humedad precisa.

5) Moldeado

El moldeado consiste en hacer pasar la mezcla de arcilla a través de una boquilla al final de la extrusora. La boquilla es una plancha perforada que tiene la forma del objeto que se quiere producir.

El moldeado, normalmente, se hace en caliente utilizando vapor saturado aproximadamente a 130 °C y a presión reducida. Procediendo de esta manera, se obtiene una humedad más uniforme y una masa más compacta, puesto que el vapor tiene un mayor poder de penetración que el agua.

6) Secado

El secado es una de las fases más delicadas del proceso de producción. De esta etapa depende, en gran parte, el buen resultado y calidad del material, más que nada en lo que respecta a la ausencia de fisuras. El secado tiene la finalidad de eliminar el agua agregada en la fase de moldeado para, de esta manera, poder pasar a la fase de cocción.

Esta fase se realiza en secaderos que pueden ser de diferentes tipos. A veces se hace circular aire, de un extremo a otro, por el interior del secadero, y otras veces es el material el que circula por el interior del secadero sin inducir corrientes de aire. Lo más normal es que la eliminación del agua, del material crudo, se lleve a cabo insuflando, superficialmente, al material, aire caliente con una cantidad de humedad variable. Eso permite evitar golpes termo higrométricos que puedan producir una disminución de la masa de agua a ritmos diferentes en distintas zonas del material y, por lo tanto, a producir fisuras localizadas.

7) Cocción

Se realiza en hornos de túnel, que en algunos casos pueden llegar a medir hasta 120 m de longitud, y donde la temperatura de la zona de cocción oscila entre 900 °C y 1000 °C.

En el interior del horno, la temperatura varía de forma continua y uniforme. El material secado se coloca en carros especiales, en paquetes estándar y alimentado continuamente por una de las extremidades del túnel (de dónde sale por el extremo opuesto una vez que está cocido).

Almacenaje

Antes del embalaje, se procede a la formación de paquetes sobre pallets, que permitirán después moverlos fácilmente con carretillas de horquilla. El embalaje consiste en envolver los paquetes con cintas de plástico o de metal, de modo que puedan ser depositados en lugares de almacenamiento para, posteriormente, ser trasladados en camión.

Otras de las técnicas utilizadas en el moldeado es el torneado cerámico que es la técnica más utilizada para la creación de piezas en serie. En la actualidad también es empleado para hacer piezas singulares o artísticas. Este método es empleado desde el año 5000 a. C. en el Antiguo Egipto, Oriente Próximo y Asia. Un bolo de arcilla es colocado en la rueda del torno, el cual es impulsado por el pie o la mano del alfarero que hace girar el torno.

La rueda gira velozmente mientras la arcilla es presionada de forma tal que adquiera la forma deseada. El trabajo con torno requiere una gran habilidad técnica, pero un alfarero habilidoso puede producir muchas piezas casi idénticas en poco tiempo. Actualmente se utiliza más el torno eléctrico que requiere menos esfuerzo y pericia.

Debido a su naturaleza, los trabajos mediante el empleo de torno son casi exclusivamente piezas con simetría radial respecto de un eje vertical. Estas piezas pueden ser decoradas mediante la creación de diferentes texturas sobre su superficie al objeto de hacerlas visualmente más interesantes.

Muchas veces, las piezas creadas en el torno son modificadas manualmente, agregándole asas, tapas, pies, picos y otros aspectos funcionales.

Con todo lo dicho hasta ahora el modelado es una de las técnicas que más libertad concede al creador, ya que al ir añadiendo y corrigiendo sin parar podemos hacer lo que queramos, por ello en esta técnica nada es definitivo.

Una vez creada la obra llega el momento de su conservación. Hay varias maneras de conservar una obra, tales como el secado al aire, el vaciado, y el más famoso de todos que es la cocción. La cocción consiste en someter a la pieza de barro una vez seca en un horno cerámico donde la pieza se cuece a más de 8oo grados. Acto seguido se produce un cambio que permitirá que nunca sea soluble al agua, además su resistencia a la erosión será enorme, pero en contraposición a esto decir que la pieza es tremendamente frágil.

1 B.- Sustracción

La técnica de sustracción, viene de sustraer, palabra que significa quitar.

Las técnica más usual de sustracción es la talla que se puede realizar sobre piedra, madera, mármol…

Refiriéndonos al material podemos decir que puede ser, a la hora de tallarlo, de una sola pieza, es lo que sería un monolito o monobloque. O por el contrario de varias piezas talladas que luego se han unido entre sí; esto se suele utilizar sobre todo cuando se trabaja con la madera.

Una de las desventajas con respecto al modelado sería que permite menos libertad de actuación, ya que depende de la forma del bloque.

Existen dos tipos de talla:

a)      Directa: aquella que se va realizando directamente sobre el material. Esta técnica es demasiado compleja, pero artistas como Miguel Ángel afirmaron que siempre utilizaban la talla directa.

b)     Indirecta: aquella en la que se realiza la obra en materiales más sencillos de trabajar, para luego pasarlos al material seleccionado mediante la ayuda de herramientas especiales para no equivocarse.

Los procedimientos utilizados a la hora de la talla suelen ser métodos más o menos manuales como el puntómetro o los compases. También se suelen utilizar procedimientos mecanizados e incluso informáticos como el escáner láser en 3D.

Una de las herramientas utilizadas a la hora de la talla es el compás escultor para copiar medidas. Su uso consiste en señalar en el modelo una serie de puntos. Con ayuda de algún aparato auxiliar (como el puntómetro o los compases), se copia la situación de cada uno de esos modelos en el mármol. Eso nos da una forma parecida a la del modelo sin miedo a equivocarnos.

Otra de las herramientas utilizadas a la hora de copiar medidas y que nos permiten obtener más de una copia a la vez es la máquina de sacar puntos o pantógrafo.

1C.- Técnicas de construcción

Esta técnica consiste en juntar piezas que ya existen para formar una nueva. Uno de los procedimientos más usuales de esta técnica es la soldadura que puede hacerse de diversas maneras.

Otro procedimiento de construcción bastante utilizado  y de creación más reciente sería el ensamblaje, que consiste en unir trozos de materiales ya existentes para formar uno nuevo.

Otra técnica muy utilizada durante el s. XX es el encofrado. Un encofrado es el sistema de moldes temporales o permanentes que se utilizan para dar forma al hormigón o concreto, u otros materiales similares como el tapial, durante su estado plástico, o ‘fresco’.

La forja también es otra técnica que utiliza procedimientos de deformación. La forja es el arte y el lugar de trabajo del forjador o herrero, cuyo trabajo consiste en dar forma al metal por medio del fuego y del martillo.

Una forja contiene básicamente una fragua para calentar los metales (normalmente compuestos de hierro), un yunque y un recipiente en el cual se pueden enfriar rápidamente las piezas forjadas para templarlas. Las herramientas incluyen tenazas para coger el hierro caliente y martillos para golpear el metal caliente.

En la forja se modela el metal por deformación plástica y es diferente de otros trabajos del hierro en los que se retira o elimina parte del material mediante brocas, fresadoras, torno, etc., y de otros procesos por los que se da forma al metal fundido vertiéndolo dentro de un molde (fundición).

Por último, una técnica bastante llamativa es el soplado de vidrio, mediante el que se da forma a la pasta caliente del vidrio.

1 E.- Transformación

En esta modalidad nos centraremos en las técnicas de vaciado y fundición.

a)      Las técnicas de vaciados consisten en hacer moldes y rellenarlos después con un material. Los materiales de relleno pueden ser bastantes, desde el barro para cocer hasta resinas sintéticas pasando por yesos o cementos entre otros.

b)     Los procesos de fundición son bastante complejos si se tratan de procesos de vaciado.

La fundición no es otra cosa que copiar esculturas en algún metal. El metal más utilizado suele ser el bronce, pero también se usan bastante las piedras preciosas, el plomo, etc.

En cuanto a escultura el proceso más habitual es el proceso de fundición llamado el de la cera perdida. En el que primero se saca una copia de cera, hueca y con paredes finas. Luego esa copia se rodea de un material refractario y se rellena del mismo material. Posteriormente se calienta todo hasta que la cera se funde entonces, se rellena de bronce. Por último, rompemos el molde y lo quitamos y le damos los retoques pertinentes a la pieza.

En la actualidad utilizamos técnicas que nunca se habían utilizado antes, como por ejemplo el holograma (creado mediante luz láser).

2.- Técnicas y procesos bidimensionales

Dentro de estas técnicas y procesos podemos diferenciar dos familias: la de la pintura y el dibujo.

Dentro del dibujo los materiales utilizados serían el carboncillo, los lápices, las tintas, pastel, ceras…

En la familia de la pintura podemos distinguir las técnicas de al agua, al temple o al fresco, entre otras.

También podemos hablar de técnicas de grabado o estampación. Dentro de los grabados podríamos distinguir los monototipos, xilografía (en madera), linóleo, etc.

En cuanto a las técnicas de estampación podemos hablar de estarcido y aerografía, uso del fax y fotocopiadora…

Una herramienta bastante utilizada a la hora de realizar grabados sería el tórculo. Un tórculo es una prensa utilizada para el arte de el grabado, con torniquetes de metal que presionan un rodillo contra una platina en la cual se coloca el papel y la placa de grabado, para que la tinta se traspase de la lámina al papel. Esta máquina puede ser utilizada para cualquier tipo de grabado, desde el linóleo hasta el grabado al aguafuerte. Esto, porque el tórculo es solo el encargado de realizar la presión para poder pasar la tinta de la plancha a el papel o lamina al que se desee pasar la impresión. El tórculo es el ancestro y lo que llego a inspirar la imprenta, esto por que la imprenta y el tórculo tienen funciones muy similares. Esta prensa puede ser de metal o madera.

3.- Técnicas de mosaico

Las técnicas de mosaico más habituales serían los collage, o los mosaicos (piedra, vidrio, madera y otros…)

El collage es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado. El término se aplica sobre todo a la pintura, pero por extensión se puede referir a cualquier otra manifestación artística, como la música, el cine, la literatura o el videoclip. Viene del francés coller, que significa pegar.

Un mosaico era una obra compuesta de rocas. También puede estar hecha de madera. Por extensión se llama mosaico a cualquier obra realizada con fracciones diversas.

4.- Otras técnicas tradicionales

Dentro de estas técnicas encontraríamos las vidrieras por ejemplo. Una vidriera es composición decorativa formada por piezas policromas de vidrio. Alcanzó gran desarrollo con el arte gótico y se relaciona con sus catedrales, aunque también se cultivó en otros estilos y en el arte civil.

5.- Técnicas de imagen fotográfica e infográfica

Serían todas aquellas técnicas derivadas de la fotografía y el cine y las técnicas infográficas.

Haciendo referencia a las técnicas de imágenes fotográficas hacer mención especial a la cámara oscura. La cámara oscura (del latín camera obscura) es un instrumento óptico que permite obtener una proyección plana de una imagen externa sobre la zona interior de su superficie. Constituyó uno de los dispositivos ancestrales que condujeron al desarrollo de la fotografía. Los aparatos fotográficos actuales heredaron la palabra cámara de las antiguas cámaras oscuras.

Otros instrumentos derivados de estas técnicas fotográficas serían el daguerrotipo, la película fotográfica, los negativos, la cámara de cine, de video, etc.

Ahora han surgido las cámaras digitales que no tienen negativo sino que convierten la imagen luminosa en códigos digitales. Esa imagen pixelada es almacenada en tarjetas de memoria de la propia cámara o externa a ella. De aquí deriva todo el arte digital que hoy en día conocemos, que nos permiten representar la realidad de un modo casi exacto.

6.- Modos de expresión no basados en la creación de objetos ni de imágenes

Existen otras técnicas que nos permiten expresarnos o crear arte y que no tienen que ver en nada con las ya vista hasta ahora. Aquí englobaríamos todo lo aquello relacionado con la expresión del cuerpo, el land art, el performance, etc.

Mediante el performance el artista provoca una situación que ofrece al espectador para que este reflexione. Sería como una especie de actuación, pero sin guión previo.

De la misma manera pero en este caso mediante el land art, el artista utiliza el terreno para crear sus obras.

7.- Algunas nociones elementales

Una de las cosas que tenemos que tener claras a la hora de hacer o crear arte, es que la obra no aparece por inspiración divina, en la mayoría de casos requiere una serie de pasos desde que pensamos la obra hasta que la finalizamos. Entre estos pasos estarían los bocetos, los modelos y finalmente la obra.

Con todo lo dicho hasta ahora doy por finalizado el Tema 3, espero que haya quedado lo más claro posible. Para redactar este tema he buscado información en diversas fuentes como por ejemplo la wikipedia.

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Muy buenas, hoy redactaré de la mejor manera posible el Tema 2: ELEMENTOS DE LA FORMA, COLOR, SINTAXIS DE LA IMAGEN Y CAMPO VISUAL. Ante todo situar de alguna manera este tema, el cual lo dividimos en tres partes, la primera que hablará de los elementos de la forma ( punto, línea, plano, figura); el segundo que hablará sobre el color; y el tercero, que hablará sobre el peso visual. Por último realizaremos una sintaxis de la imagen. A continuación intentaré dejar plasmado de la mejor manera posible estos apartados ya descritos.

1.- ELEMENTOS DE LA FORMA (PUNTO, LÍNEA, PLANO Y FIGURA)

         En este apartado vemos entre otras cosas los diferentes tipos de líneas y de alguna manera su significado, así por ejemplo, la línea horizontal dará síntoma de calma, la vertical de equilibrio o la diagonal de movimiento. Siguiendo con el temario pudimos observar el concepto de eje sentido, que consiste en que de manera inconsciente establecemos sobre toda forma una línea vertical con la que determinamos el equilibrio de todas éstas. Por consiguiente, cuanto más inclinado sea este eje sentido mayor sensación de movimiento o dinamismo tendrá la forma. Esto último nos permite hablar de ritmos internos, que son las líneas que resumen el movimiento de los cuerpos. En referencia a los ritmos internos vimos las posturas simultáneas, que hacen referencias a las distintas fases del movimiento, así uno de los modos más antiguos de representar el movimiento es realizar una misma figura en varias fases de movimiento. Otra forma sería mediante las líneas cinéticas, estelas o rastros muy recurrida en el mundo del cómic por ejemplo.  Otro tipo sería la mezcla resultante de las posturas simultáneas y las líneas cinéticas. Finalmente otro método utilizado es el deformismo para crear movimiento.

Siguiendo con la clase nos centramos en los planos y figuras viendo la dinámica de las formas, como por ejemplo es el caso del rectángulo áureo, que expresado matemáticamente sería “a+b/a = a/b”, lo que da lugar a la propiedad de razón áurea o número dorado. Este rectángulo fue la base de casi toda la geometría hasta el siglo XX, aunque ya desde tiempos muy antiguos (tal vez, desde los egipcios) se tiene constancia de su utilización, ya que se creía que tenía una perfección casi divina. Por otro lado es el rectángulo más elegido a la hora de realizar trabajos ya que es un número muy utilizado en la naturaleza misma. Por otro lado dentro de los rectángulos “normales” vimos que el rectángulo horizontal al tener predominio de líneas horizontales es más calmado que el vertical. Otra de las formas vimos el cuadrado, el cuál posee un carácter equilibrado pero a su vez tensión interna ya que al tener los cuatro lados iguales y sin destacar ninguno se crea una tensión interna entre ellos. Otra forma con carácter equilibrado sería el círculo ya que establecemos de manera rápida su eje horizontal, aunque este albergue un mayor dinamismo debido a que al ser una curva cerrada produce un movimiento infinito; es aquí donde aparece el término “Tondo” que es un formato circular muy utilizado durante el Renacimiento. Siguiendo con la dinámica de las formas pudimos ver las curvas cerradas muy dinámicas. Por último vimos los triángulos (equilátero, isósceles y escaleno) los cuales podían causar impresión de equilibrio total si lo dejamos reposar sobre su base o de tener cierto dinamismo si los invertimos.

Con todo lo dicho has ahora podemos deducir que las formas serán más o menos dinámicas en función de su forma y la colocación de su eje.

2.-EL COLOR

         Dentro del color podemos establecer tres dimensiones que serían:

a) Matiz o croma, que hace referencia al color como tal, es decir; al verde, rojo, azul…

b) Saturación, se refiere a la pureza del color. En cuanto a esto los colores irán de una pureza total al agrisamiento.

c) Brillo, se refiere al tono de la imagen. El brillo se clasifica desde lo más lumínico a lo más oscuro.

         Siguiendo con los colores podemos dividirlos en dos tipos que serían, los primarios y los secundarios.

a)     Los primarios son aquellos que no se pueden conseguir mediante la mezcla de colores. Éstos a su vez se subdividen en primarios luz (suma de la luz blanca) que serían el verde, azul y rojo; y los primarios materia (suma de grises oscuros) que serían el amarillo, cyan y magenta.

b)    Los secundarios que resultarían de la mezcla de colores primarios. Éstos a su vez se subdividen en secundarios luz y materias (verde, naranja y violeta)

En relación a esto decir que todo color primario tiene su complementario, que es el secundario, que a su vez resulta de la mezcla de los otros dos primarios. Por ejemplo, el complementario del amarillo resultará de la mezcla de cyan y magenta que dará lugar al verde.

         Y por último dentro de esta clasificación de colores tendríamos a los terciarios que resultan de la mezcla de los secundarios.

         Siguiendo con los colores pudimos ver que a la relación existente entre los colores se le llama interacción. En esta interacción se habla de colores cálidos que son aquellos que tienden a reflejar más la luz y colores fríos que la reflejan menos. Por ello los cálidos (rojos, amarillos y naranjas) tenderán a verse como más cerca y grandes; y los fríos (azules) tienden a verse como de más lejos y pequeños.

         Prosiguiendo con el tema del color, pudimos ver las armonías elementales que son:

a)     Tonales, en las que se produce el dominio de un color.

b)    De contraste, en la que se produce una mezcla de colores complementarios. Normalmente siempre tiene los tres primarios.

c)     Basadas en combinaciones, por ejemplo pares de complementarios ( amarillo-violeta, rojo-azul)

Por último, vimos que los colores transmiten sensaciones y significados, así por ejemplo el color del luto en la India no será el mismo que aquí ya que depende de cada cultura; y por otro lado los colores influyen en nuestro estado de ánimo.

3.-PESO VISUAL

         El peso visual hace referencia a la capacidad del elemento para captar la atención del espectador, así como vimos en la clase práctica no llamará igual la atención un elemento colocado en el centro de la imagen que en el margen superior. Por ello es muy importante saber que lo vertical tiene mayor peso visual que lo horizontal, etc.

Por último y relacionado con este tema hablaremos de la sintaxis de la imagen. La imagen va a responder siempre a una composición, que será el resultado de poner de manera equilibrado los diferentes elementos que en ella queramos incluir, por ello existen algunas reglas básicas de composición como por ejemplo la “Ley de la balanza” que consiste en repartir el peso a los dos lados de la imagen, esta distribución puede ser clásica (distribución equitativa) o dinámica (distribución asimétrica).

         Con esto doy por finalizada la explicación del tema 2.

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